Cinema, Crítica

Na dúvida, fico com o filme. Mas, bem, prefiro “Atlanta”…

Nas intenções, Cara Gente Branca da Netflix parece uma boa série. Parece. O que temos no fim, bem, é uma série que desmorona em seus episódios – e não pensemos sequer em compará-la com sua contraparte cinematográfica porque aí a coisa fica ainda mais complicada. Mas, partamos inicialmente de seu principal motor: a discussão das tensões raciais contemporâneas nos EUA hoje. Se tomarmos tal premissa e compararmos Cara Gente Branca com séries como Atlanta, por exemplo, a discussão sobre tais tensões desmancha a olhos vistos.

Estão lá, claro, todos os temas complexos e dolorosos da questão racial nos EUA, mas, bem, o que resulta na tela mais parece uma mescla entre Faça a Coisa Certa com As Patricinhas de Beverly Hills – sim, exagerei, mas este é o ponto. A série peca por uma diluição desnecessária deste tema em diversos sub-núcleos narrativos que, mais que apresentar a complexidade do problema, o dilui. Sim, sim: temos a diluição narrativa como estratégia para percepção do problema central – mas, novamente, nem digamos que a série estica à estratosfera uma trama que se resolve em um longa…

Para muitos, a discussão suavizada e embalada em termos mais “acessíveis” ajuda da disseminação dos tópicos essenciais do problema; a meu ver, pasteuriza e relativiza a questão. Cara Gente Branca move a engrenagem da relativização das discussões sobre raça e suas tensões um pouco mais para diluição. Em seus episódios, o racismos se transforma em pano de fundo praticamente disperso e dá lugar a diferentes abordagens caricaturais do “American Way of Life”.

Creio que, mais que discutir abertamente questões cruciais desses dias bastantes estranhos, “Cara Gente Branca” plastifica, torna homogênea e relativiza tais questões. Este processo, sim, algo que emerge da série.

Na boa, não perca seu tempo: veja “Atlanta” do Donald Glover. Esta, sim, uma série que importa em muitos sentidos…

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Cinema, Crítica

O live-action de Ghost in The Shell é somente casca: não há “fantasma”…

O anime Ghost in The Shell, de Mamoru Oshii e lançado em 1995, é uma bomba filosófica. Não por acaso, filmes como Matrix ou Ex-Machina beberam diretamente do longa ao discutirem questões como inteligência e consciência artificiais: os dilemas e reflexões encerrados naquele filme reverberam até hoje e sua influencia é visível tanto em filmes quanto em séries contemporâneas e, creio, esta é uma componente valida a considerar quando nos deparamos com o remake do diretor britânico Rupert Sanders.

O Vigilante do Amanhã, mesmo investindo em um elenco estelar e num trabalho de arte impecável buscando transpor muitos dos elementos que atravessam o anime, falha quando investe em uma construção narrativa alinhada ao esquema típico dos blockbusters hollywoodianos contemporâneos. A opção do diretor resulta em algo vazio, sem sentido, sem alma…

O remake de Sanders é tão somente um apanhado visual impecável que tenta atribuir substância a uma reunião de elementos narrativos fáceis, conflitos simplórios e termina tão somente por nos apresentar algo esquemático, superficial e irrelevante. Conceitos caros ao anime de Oshii terminam subvertidos ou, melhor, diluídos em um arremedo que se pretende palatável. Não é isso o que termina na tela, mas justamente seu contrário: um longa risível para os, como eu, fãs do longa de 1995; um filme de ação caótico e superficial, mas funcional para os que se importam menos com a narrativa e mais com o visual.

Assim, considero que o filme não tem um “fantasma” que o sustente em pé,  mesmo a presença de um elenco de peso – com Scarlett Johansson, como a Major Motoko como seu principal nome -, incapaz de impedir a queda vertiginosa da trama. Nomes como Takeshi Kitano e Juliette Binoche, também utilizados quase que superficialmente, se mostram aparentemente perdidos em uma espiral sem sentido que desfigura o anime completamente.

Quando digo que não há “fantasma” em O Vigilante do Amanhã é porque lhe falta alma, substância. O filme é um espetáculo visual e muitos dos elementos visuais apresentados no anime – a versão realista de uma futura e tecnologicamente caótica Hong Kong impressiona – convergem e surpreendem quem espera tão somente por uma transposição do anime ao live-action, mas é só.

No fim, nos resta tão somente a casca. E justo sobre isso, é a predominância de tal casca que cobra um preço caro ao filme quando restam apenas diálogos constrangedores em sua superficialidade – a discussão sobre o “fantasma” entre a Major (Johansson) e a Dra. Ouelet (Binoche) é risível de tão rasa – e um roteiro frágil. O que sobra do peso sobre tal casca se transforma em trunfo frente à fragilidade da trama porque, visualmente, o filme apresenta tudo o que um fã do anime poderia esperar – descontada a história.

Não pretendo aqui tomar seu tempo explicando, por exemplo, a história de Ghost in The Shell: qualquer pesquisa rápida no Google resolve esta questão na boa. Tão pouco pretendo minar seu desejo por ver o remake, mas, antes, gostaria apenas de alertar que, independente da ordem, ver o anime de Oshii ou o remake de Sanders fará com que você veja ambos os filmes com outros olhos.

Para o bem ou para o mal, afinal, nosso “fantasma” pede sempre por mais e mais.

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Cinema

Rogue One é o retorno ao primordial em Star Wars

Jyn Erso (Felicity Jones)

Sim, Rogue One: Uma História de Star Wars é de longe um dos melhores filmes produzidos pela franquia criada por George Lucas. O longa, dirigido por Gareth Edwards, não se faz de rogado frente a seu antecessor – Star Wars: O Despertar da Força – e, pasmem, supera em muito a narrativa cuja continuidade foi dada por J.J. Abrams.

Vejam, para além dos três longas originais, Rogue One é surpreendente por apresentar uma aventura que até então encontrava-se perdida entre as linhas que introduzem o quarto episódio da saga – Star Wars: Uma Nova Esperança. Ao contar a história de um grupo de párias que se une para obter os esquemas secretos de construção da estação de batalha do Império conhecida como Estrela da Morte, Edwards nos permite preencher algumas das lacunas da narrativa.

O resultado em Rogue One é que nos colocamos diante de um longa que lida sobretudo com a familiaridade dos fãs com os episódios originais da saga, fazendo com que recuperemos quase que imediatamente toda a sucessão de eventos que culminarão em O Despertar da Força. Para além disso, o drama vivenciado pela história de Jyn Erso (Felicity Jones) e seu grupo nos enche de empatia por aquele esforço brutal.

Cartaz de Rogue One: Uma História de Star Wars

Tal drama começa com o abandono de Jyn por seu pai, Galen Erso (Mads Mikkelsen), logo nos minutos iniciais do filme, sendo este levado por Orson Krennic (Ben Mendelsohn), diretor de pesquisa avançadas em armamentos do Império para atuar em um projeto considerado definitivo.

Depois de esconder-se e ser resgatada pelo rebelde extremista e veterano das Guerras Clônicas Saw Guerrera (Forest Whitaker), Jyn é recrutada pela Aliança Rebelde para que reencontre seu pai. Na verdade, uma cortina de fumaça para que Cassian Andor (Diego Luna) execute o pai de Jyn. Entretanto ambos não contam com a revelação de que Galen criara a Estrela da Morte com uma falha capaz de destruir a estação de combate.

E este se transforma do mote da missão de Jyn e demais párias: encontrar os esquemas de construção da estação e transmití-las à Aliança Rebelde para que possa eventualmente destruí-la. Uma missão suicida.

E é neste contexto que temos uma homenagem: Rogue One é sobretudo um tributo a Akira Kurosawa e seu filme Os Sete Samurais. Não por acaso, uma das inspirações de George Lucas quando da idealização de sua saga: os elementos da cultura japonesa e da construção narrativa de Kurosawa atravessam Star Wars.

Os párias que se reúnem para lutar contra o adverso cientes do preço de tal ação é o mote de Os Sete SamuraisRogue One dialoga com isso a cada momento – seja na resistência de K-2s0 (Alan Tudyk), no sacrifício de Chirrut Îmwe (Donnie Yen), até a sequência final – e é assim que temos a representação de algo muito caro ao longa de Kurosawa e presente na produção de Gareth Edwards: abnegação em troca de esperança.

Este foi o mote para a obra-prima de Akira Kurosawa; este é o mote para Rogue One: Uma História de Star Wars.

Talvez por isso o longa tenha ganho um local privilegiado entre os filmes da franquia: aqueles que realmente souberam traduzir a essência do cinema em sua plenitude; aqueles que sabem como contar uma história e cativar suas audiências.

O longa de Gareth Edwards está inscrito desde já entre esses.

 

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Cinema, Crítica

A Bruxa não é somente um filme de terror, mas uma indicação para o futuro do gênero

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Há o pecado. Antes dele, o pecado original e a noção de que todos os que creem carregam as marcas deixadas nos primeiros que com ele se viram marcados. A Bruxa, filme de Robert Eggers, é sobre homens pecadores e os descaminhos que estes tomam buscando negar, ignorar, contornar ou, não raro, aceitar seus pecados. Não, não é tão somente um filme de terror – está até distante disso -, mas, antes um filme sobre o temor…

Tudo começa quando uma família de puritanos é excomungada da comunidade onde vive em algum momento da colonização da América do Norte no Século , a esta só resta aceitar seu destino e seguir seu caminho em busca de seu próprio lugar naquele reino selvagem.

Assim, o patriarca William e sua mulher Katherine levam seus filhos Thomasin, Caleb, os gêmeos Mercy e Jonas e o pequeno Samuel para algum lugar onde possam construir seu paraíso. Mas este paraíso está maculado. Não pela bruxa que se esconde em um casebre na floresta, mas, sim, por aqueles que compartilham aquele pequeno pedaço de terra.

Os primeiros minutos que mostram as orações de Thomasin, a jovem que pede perdão por seus pecados, por sua arrogância, por seus desejos, é apenas o aperitivo do desenrolar de eventos que começam com o sequestro do bebê Samuel – arrastado pela Bruxa até seu esconderijo e sacrificado por ela.

A presença do mal se torna a preocupação da família: o mal escondido, sorrateiro e sombrio que habita a floresta os assusta, mas aquele que carregam individualmente, bem, este se desenrola e ganha as telas enquanto a tensão em A Bruxa torna-se mais e mais densa – até o ponto que temos a impressão de poder rasgá-la com os dedos.

Poster de "A Bruxa" de Robert Eggers.

Poster de “A Bruxa” de Robert Eggers.

Quando descobrimos as mentiras de William, os desejos de Caleb pela beleza que aflora de Thomasin, da insolência dos gêmeos e da arrogância da matriarca Katherine, estamos diante dos pecados silenciosos de cada um daqueles. O mal os envolve e este explodirá em algum momento.

O diretor Robert Eggers foi particularmente feliz em criar esta pequena alegoria do mal e de como este cobra seu preço. Elementos como roteiro, fotografia e direção de arte nos conduzem através desta jornada à perdição completa e ver esta família derrotada é a grande lição que A Bruxa nos entrega: a derrota como resultado da hipocrisia, da falta de apreço, da negação do mal, me parece o que norteia o longa de Eggers.

Para além, A Bruxa certamente motivará as mais acaloradas discussões, mas, sem medo de cometer um equivoco, posso afirmar que o filme ingressará entre aqueles de seu gênero: do horror calcado nas componentes psicológicas mais profundas, mesmo que o inusitado, o sobrenatural, o indizível esteja lá à espreita.

O diabo, como sempre, está no detalhes e em A Bruxa persistem os detalhes que tornam-no um dos melhores longas de suspense/horror já produzidos.

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Cinema, Crítica

Aquele providencial riso histérico não mascarará seu desconforto com “Que Horas Ela Volta?”

Que Horas Ela Volta?

“O Som Ao Redor”, do Kleber Mendonça Filho, mantinha até pouco sua posição confortável entre aqueles longas desconfortáveis que tratavam de algumas das tensões que ora reverberam neste país – e de como estas implodem certos paradigmas sociais, econômicos e culturais bem arraigados em nossa sociedade.

Bem, mantinha… Agora o filme de Kleber Mendonça tem que disputar minha admiração com outro recente, belo, complexo e indispensável filme: “Que Horas Ela Volta?”, da Anna Muylaert.

A comparação entre os dois não soa improvável – já que a própria Muylaert Entrevista com Anna Muylaert pondera que os dois dialogam de alguma forma -, mas esta mesma proximidade possível apoia-se em um viés: enquanto o que em “O Som Ao Redor” é pura fúria explodindo na tela e dando sentido aos diferentes conflitos e à negação em potência de uma reconciliação inexistente, “Que Horas Ela Volta?” mira nos silêncios, na suavidade, em uma desconstrução sensível de um conflito – este, especialmente representado pela “rebeldia” posterior de Val, a doméstica interpretada de modo brilhante por Regina Casé.

Cartaz do longa "Que Horas Ela Volta?" de Anna Muylaert.

Cartaz do longa “Que Horas Ela Volta?” de Anna Muylaert.

Val é aquela típica doméstica-matrona que bem conhecemos: obrigada e doutrinada a saber seu “lugar”, mesmo sendo quase da família e que limita-se a tentar agradar seus patrões: é assim que “Que Horas Ela Volta?” nos remete aos outros cômodos da nossa grande Casa Grande; é assim que nos leva para um ambiente onde a manutenção de uma lógica de submissão recorre à disposição de atores que reconhecem as diferentes matizes sociais em jogo e que as ignoram…

Não por acaso os principais instantes de tensão no longa se dão a partir de uma porta deslizante que separa a sala de jantar da cozinha: este, o lugar onde a mise-en-scène elaborada por Muylaert ganha mais força e  evidencia não apenas um sujeito, mas a segregação deste, o esmagamento de sua identidade…

É neste contexto que Jéssica, a filha que Val deixa para trás mas que nunca a esquece, é um personagem gigantesco. Interpretada de modo impecável por Camila Márdila, Jéssica é o motor transformador da trama: o longa que em seus primeiros minutos parecia uma caricatura de uma classe média resolvida em seus recalques se transforma com a chegada da “filha da empregada”. A sensação que temos com a chegada de mais este peão no conflito é de que poderíamos cortar o ar com os dedos, tamanha a tensão que a personagem imprime.

Todos os planos que atravessam o longa – seja ao redor da piscina, nos jardins da casa ou mesmo na dualidade cozinha-sala de jantar – são revisitados de certa maneira para demonstrar a tensão que a chegada deste novo ator atribui à trama. Prova disso? Para muitos a cena à beira da piscina ou a da filha da empregada comendo o “sorvete de Fabinho” são considerados momentos-chaves: particularmente fico com o choque da descoberta de que a filha da empregada se sobressaiu onde não deveria – e vocês entenderão o porquê.

É neste instante que se opera uma transformação, que o conflito se elucida, que as revelações se consolidam. “Que Horas Ela Volta?” é surpreendente por nos apresentar como estas operam, como certos “valores” são destroçados e como a descoberta do possível, de algo que fora negado pode ser obtido, pode libertar.

Particularmente, “Que Horas Ela Volta?” é a irmã centrada de “O Som Ao Redor”: uma irmã que, tanto quanto seu irmão, sabe quais pingos importam nos is…

Talvez por isso o riso histérico de alguns nas sessões do longa não mascarem o aparente desconforto que o longa imprime.

 

 

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Artigos, Cinema

“Mad Max: Fury Road”: a estrada, a fúria e uma distópica alegoria sobre um mundo fora do prumo…

Mad Max: Road Fury

Há um plano que se repete em quase todos os filmes da série Mad Max de George Miller e é uma cena simples, recorrente, mas icônica: “Mad” Max Rockatansky com um olhar aparentemente perdido frente àquela espiral de eventos que o envolve e tendo tão somente o volante de seu turbinado e envenenado carro. O protagonista da trama criada por George Miller geralmente nos sugere a desesperança e inevitabilidade daqueles envolvidos pelo universo distópico e pós-apocalíptico que fez da série um dos clássicos do gênero. O espaço além do volante de sua máquina é o lugar mais ou potencialmente seguro para Max: aquele que enreda sua redenção.

Bem. Este mesmo espaço é o que transforma Imperator Furiosa, interpretada por Charlize Theron em Mad Max: Fury Road, na verdadeira força motriz do novo longa da série.

Provavelmente este foi o grande porém levantado por muitos daqueles que assistiram o filme na última semana – com uma pitada da boa e velha misoginia: uma mulher recuperando o legado de Mad Max e, pasmem, tornando a trama ainda mais frenética e brutal? Sim, amigos, Furiosa é quem disputa nossa atenção nesta nova aventura de George Miller.

Assim, como dizem por aí: apenas aceite…

No mais, o longa, tanto quanto Mad Max (1979) e Mad Max: The Road Warrior (1981), é uma fábula distópica sobre o mundo depois do fim: esgotados os recursos naturais, os combustíveis e os alimentos, o ser humano recorrerá ao seu pior. A fábula pretendida por Miller desde o primeiro longa da série a quase quatro décadas é sobre como incorporamos rapidamente tal “pior” e o que estaríamos dispostos a fazer para nos livrar disso. Max (agora interpretado por um competente Tom Hardy) nunca esteve muito interessado em lidar com este tal pior: desde o primeiro longa, a reserva e a cautela sempre foram as marcas do personagem – além da explosão de fúria incontrolável quando estas marcas são dispostas em conflito.

Os primeiros minutos deMad Max: Fury Road são por si uma das mais tensas sequências que o cinema de ação poderia ter produzido na última década: tentando se desvencilhar de seus captores, percorrendo desesperado os corredores de uma fortaleza enquanto uma horda de warboys corre em busca de sua cabeça, o que vemos é um Max sendo, claro, Max: mergulhado em um Inferno do qual somente se desvencilhará por um golpe de sorte…

Imperator Furiosa preparada para a guerra...

Imperator Furiosa preparada para a guerra…

Quando Furiosa decide sequestrar um carro de guerra, resgatar as escolhidas do lider Immortan Joe (em mais um inesquecível vilão levado a cabo por Hugh Keays-Byrne) e atravessar meio mundo em busca do “verde”, não resta opção a um submisso Max – atordoado pela visão de seus fracassos – senão acompanhar todo o conflito que resultará das decisões daquela mulher, sobreviver e acompanhar o desenrolar da missão da real protagonista do longa.

Esta me parece a principal questão em todo o longa: esqueçamos o turbilhão de imagens, explosões, dos personagens exageradamente insanos e mantenhamos o foco no conflito entre dois personagens igualmente poderosos – e que disputam nossa atenção sequência a sequência. Imperator Furiosa é Max mesmo quando não pretende sê-lo: todos os elementos que nos longas anteriores alimentavam o mito de Max Rockatansky foram raptados por Furiosa.

Warboys fazendo o trabalho sujo de Immortan Joe...

Warboys fazendo o trabalho sujo de Immortan Joe…

O momento em que Furiosa pinta seu rosto para a guerra que virá enquanto lida com a ira de Immortan Joe e seus warboys – procurando para isso atravessar o canyon dos motoqueiros em seu percurso rumo a uma aparente salvação – é um destes momentos em que o conflito entre o velho Max e sua contraparte feminina são evidenciados ao longo da trama, mas ele, Max, não se mostra desconfortável com tal situação, porém, para além disso, por diversas vezes o vemos surpreso com a força daquela que se coloca entre os que dela precisam e seus opressores.

Até que o velho e pouco louco Max retomem as rédeas de seu próprio longa, nos resta o clímax e uma nova corrida rumo a um mundo que precisa de algum rumo. No fim, Mad Max: Fury Road se apresenta como daqueles filmes de ação que aprendemos a gostar muito cedo e que, mesmo embalado por seus alertas sobre um distópico e sombrio futuro que nos aguarda, cumpre com maestria seu principal objetivo: nos deixar presos à poltrona enquanto “Mad” Max Rockatansky tenta achar algum sentido em um mundo sem rumo.

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Praia do Futuro: o pensamento e o mergulho…

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A questão de Donato é o mergulho: é nele que o personagem de Wagner Moura em Praia do Futuro, novo longa do diretor Karim Aïnouz (Madame SatãO Céu de Sueli), se percebe vivo e parte de algo. Donato é um bombeiro salva-vidas que atua na praia que empresta seu nome ao longa. Um bombeiro que, sob as águas, percebe-se por alguns instantes vivo. Em um destes instantes ele não consegue salvar um turista alemão de seu inevitável afogamento nas águas traiçoeiras da Praia do Futuro.

Nisso Donato conhece Konrad (Clemens Schick), um ex-soldado e motociclista alemão que passava suas férias com um amigo quando este é levado pelo mar. Donato se aproxima de Konrad, se envolve nele e, como resultado, se permite o mergulho definitivo quando parte para Berlim abandonando o pouco que existia naquela praia onde o escapismo estava nas águas.

Praia do FuturoPraia do Futuro é um filme belo e que nos interroga essencialmente sobre o que significa estar vivo: sobre esta sensação que é a de não pertencer e não se reconhecer em um lugar que deveria ser nosso lugar. Donato era um peixe fora d’água que não conseguia se reconhecer sequer quando junto com peixes de seu ofício – e isso fica claro na coreografia que os salva-vidas protagonizam em determinado momento do longa, quando o protagonista contempla, desolado, o mergulho destes e a aparente falta de sentido daquele ato.

O sentimento de desolação de Donato se transforma quando, em Berlim, descobre-se aceito, reconhecido, liberto: o personagem pode, ali, sentir-se e aceitar-se. Este me parece o principal quando Aïnouz nos brinda com um personagem homossexual que precisa deixar seu teórico “lugar” para finalmente perceber-se vivo. Em uma das cenas de Praia do Futuro, o encontro entre Donato e seu irmão Ayrton (Jesuita Barbosa), temos a dimensão desta idéia no silêncio tocante do primeiro quando interrogado por ter abandonado Ayrton e toda sua família.

imageA cena é uma das mais vigorosas interpretações já vistas de Wagner Moura e das mais tocantes que o cinema produziu, sem palavras, melodrama: só olhares, sentimentos e, de certa maneira, um pedido de perdão pela necessária distância. A beleza de Praia do Futuro é sublime em muitos dos sentidos captados por Aïnouz, mas, em um em particular, está o sublime inerente ao mergulho, à libertação através dele e a urgência por experimentar a imensidão e todas as suas incertezas.

Donato experimenta esta imensidão e, como a canção de Bowie que encerra com os créditos o filme de Aïnouz, tal experimento vale a pena nem que seja por um dia em nossas vidas.

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Sabe, todo o fã de HQs gostaria do fundo de seu coração que os cineastas de um modo geral não metessem o bedelho em uma narrativa que, na maioria das vezes, eles não parecem compreender. Seja a construção, a forma ou, no final, o resultado geral, geralmente a transposição de uma forma narrativa para outro meio termina em algo, digamos, distante da forma original e algo completamente novo quando transposta.

Vejamos um exemplo recente, para deixarmos bem claro. O filme X-Men: Dias de Um Futuro Esquecido, do diretor norte-americano Bryan Singer, sequer estreou, mas já divide opiniões entre os fãs dos personagens criados por Stan Lee e Jack Kirby. O motivo é bastante simples: a história das telas foi completamente modificada em relação ao seu original nas HQs. Não é qualquer arranjo, mas algo bastante significativo: como se a versão das telas derivasse de algum universo paralelo da Marvel…

São muitos os exemplos de longas que, baseados em HQs, terminaram como fiasco frente ao seu fandom original. Existem, claro, outros que surpreenderam – como as franquias Hellboy ou Sin City. Entretanto, geralmente tais tentativas terminam parindo interpretações de narrativas que mais parecem licenças poéticas para histórias consolidadas mas que desagradam a “perspectiva” daqueles que desejam vertê-las para outros suportes.

AkiraPoster1Parece papo de teórico, mas é bem por aí. A questão toda me veio à mente ao ver um trailer fan-made de Akira que ganhou a rede esta semana. Faz muito que se fala sobre um live-action com os personagens criados por Katsuhiro Otomo, porém nada de concreto se viu até agora. O problema é que o que se viu veio dos fãs de Otomo e não dos estúdios que pretendiam levar Akira às telas.

O trailer feito por fãs demonstra como funciona a lógica contemporânea por trás dos meios de comunicação e de como as formas narrativas podem ser construídas não só por criadores, mas também por recriadores. Quando alguns fãs mais abnegados e donos de saberes específicos se propõem a contar/recontar uma história, não há nada a se fazer senão apreciar o resultado. No caso do trailer criado pelo Akira Project, a dimensão é ainda maior.

Criado em 2012, um grupo de fãs decidiu realizar uma versão live-action do longa de animação Akira de 1988. A iniciativa louvável, antes que algum estúdio decidisse destroçar o longa original, foi organizada e contou com uma campanha de crowd funding que arrecadou pouco mais de US$ 3 mil para o projeto, mas que arrebanhou colaboradores para dar continuidade à idéia. O trailer que você viu acima levou um ano e meio para ser concluído, mas reflete bem a tendência de um segmento mais e mais ligado à lógica dos fãs: se a indústria não é capaz de ofertar algo que reflita as expectativas do fandom quanto a determinada expressão objeto de culto, este mesmo fandom criará sua própria versão deste algo cultuado.

A iniciativa Akira Project demonstrou na última semana que em uma atmosfera de apropriação dos meios de produção por aficcionados pode se traduzir em alternativas às formas produtivo-culturais consolidadas. No fim, que belo trailer resultou deste esforço midiático-colaborativo promovido por estes fãs.

Katsuhiro Otomo deve estar orgulhoso com o resultado da investida e os estúdios hollywoodianos devem estar correndo atrás dessa rapaziada pra saber a receita deles…